Zwischen Witz und Weltschmerz: Woody Allen wird 90

Seit Jahrzehnten erzählt Woody Allen vom Menschen zwischen Sehnsucht und Selbstbetrug – leichtfüßig, doch ohne Illusionen. Zum 90. zeigt sich, wie frisch seine Filme geblieben sind, während die Kulturpolizei noch immer auf Verdikte setzt. Der jüdische New Yorker pariert mit Witz, Melancholie und präziser Musik der Sprache. Eine Hommage auf einen Künstler, der das Komische im Tragischen entdeckte und aus Melancholie Weltkunst machte.

Von David Shimanovsky

„Ich fühle, dass viele Menschen, die ihre negativen Gefühle gegenüber Juden verbergen, diese als anti-israelische Kritik verschleiern, als politische Kritik, wenn sie eigentlich meinen, dass sie Juden nicht mögen.“

Mit 90 bleibt Woody Allen der große Chronist des neurotischen New York, dessen bitter-hellsichtiger Witz oft mehr Wahrheit liefert als ganze Feuilletons. Während die selbsternannten Kulturwächter ihn seit Jahren zum moralischen Schauprozess zitieren, überdauern seine Filme die Moden – elegant, melancholisch, messerscharf. Allens Humor, aus Selbstironie, Skepsis und Jazz geboren, trifft noch immer unerbittlich ins Mark unserer Zeit. Eine Würdigung für einen Künstler, der den Zweifel kultivierte und trotzdem nie die Liebe zum Leben verlor.

 

Frühe Jahre und Familie

Seine Eltern – Martin Konigsberg, Gold-, Silber- und Kupferpolierer sowie Diamantenschleifer, und Nettie Cherry, Buchhalterin in einem Blumenladen – wuchsen in Flatbush auf, einem überwiegend jüdischen Stadtteil von Brooklyn. Die Großeltern mütterlicherseits und väterlicherseits waren Einwanderer der ersten Generation mit unterschiedlichen Schicksalen: Isaac Konigsberg aus Litauen mit drei Kindern, Verkäufer von Öl und Eiern, war erfolgreicher als der Imbissbesitzer Leon Cherry aus Österreich-Ungarn mit seiner kinderreichen Familie, in der Englisch nur auf der Straße gesprochen wurde und die weder Interesse an höherer Bildung noch an Kunst zeigte.

Leons Tochter, die feurige Blondine Nettie, mochte Martin, einen lustigen jungen Mann, der sie unterhalten konnte. Sie wurden 1930 in der Bronx von Rabbi Jacob Katz getraut. Am 1. Dezember 1935 wurde ihr Sohn Allan Stewart Konigsberg geboren. Er wuchs zu Hause englischsprachig auf; Jiddisch spielte kaum eine Rolle. Obwohl die Eltern nicht orthodox waren, schickten sie den Jungen zeitweise auf eine jüdische Schule. Als er später nach seiner jüdischen Herkunft gefragt wurde, antwortete er scharf: „Religion ist mir keinen Pfifferling wert. Und ich erziehe meine Kinder nicht in der jüdischen Tradition.“ Allen wechselte auf eine staatliche Schule und schloss die Midwood High School ab.

Seine Erinnerungen an seine Schulzeit sind widersprüchlich: Einerseits wurde er ausgelacht und „Rotschopf“ genannt, andererseits spielte er hervorragend Basketball, trainierte für die Teilnahme an einem Boxturnier, brachte seine Freunde zum Lachen und zeigte ihnen Kartentricks. „Ich stamme aus der jüdischen Mittelschicht. In der Schule wurde ich mit Antisemitismus konfrontiert. Wir hatten sehr dumme und grobe Lehrer, die ihren Hass auf Juden nicht verbergen konnten, obwohl die meisten Schüler Juden waren. Als ich in ein multikonfessionelles Sommercamp geschickt wurde, wurde ich von Kindern aller Rassen und Religionen brutal zusammengeschlagen.“

In seinen frühen Schuljahren interessierte sich Allen nicht besonders für Kunst, mit Ausnahme von Filmen. „Mit etwa fünf Jahren begann man, mich ins Kino mitzunehmen. Kinobesuche waren meine Lieblingsbeschäftigung. Sie schenkten mir eine zweite Realität, in der jede Geschichte ein obligatorisches Happy End hat. Die Wendungen der Handlung zu verfolgen, die elegant gekleideten Helden zu beobachten – das ist das Spannendste auf der Welt! Zuerst verliebte ich mich in kommerzielle Hollywood-Filme.“ Und dann kam das europäische Kino. Seine Idole waren Charlie Chaplin, ein „unglaublich lustiger Mensch”, und die Marx Brothers, die ihn mit ihrem „brillanten Witz, Surrealismus und unmotivierten Wahnsinn” faszinierten.

Später entwickelte der Teenager ein Interesse für Theater, Hörspiele und Jazz. Er spielte mindestens zwei Stunden am Tag Klarinette und beschloss, den Künstlernamen Woody Allen zu verwenden, den er vom Klarinettisten Woody Herman übernommen hatte. Mit 17 Jahren nahm er das Pseudonym „Woody Allen“ an. „Ich begann regelmäßig Klassiker zu lesen – Ernest Hemingway, William Faulkner, F. Scott Fitzgerald, John Steinbeck.“ Nach der Schule schrieb sich Allen an der New York University ein, wo er Kommunikations- und Filmwissenschaften studierte. Doch schon bald fiel er durch die Prüfung und wurde nach einiger Zeit exmatrikuliert. Später besuchte er nur ein Semester lang das City College of New York. Dazu scherzte er: „An der Uni habe ich nichts gelernt – dort wurde ich belehrt.“

 

Aufstieg als Gag-Schreiber

„Hätten die Menschen Sinn für Humor, würden wir in einer anderen Welt leben.“

Um sein Taschengeld aufzubessern, begann Woody im Alter von 15 Jahren, Wortspiele und Sketche für Komiker und Publizisten zu schreiben. Dank seines Talents und seiner Beziehungen, die er in der Showbranche knüpfen konnte, arbeitete Allen bald für Broadway-Stars. „Als ich gerade 16 geworden war, begann ich, selbst Drehbücher zu verkaufen. Es war die Ära der großen Fernsehkomiker. Von ihnen haben wir gelernt, natürlich durch Beobachtung.“ Der junge Autor wurde schnell entdeckt und erhielt das Angebot, für Auftritte bekannter Comedians zu schreiben. In den ersten drei Jahren verkaufte Woody mehr als 20.000 Witze. Er begann in den 1950er Jahren mit Material für das Fernsehen, hauptsächlich für „Your Show of Shows“. Mit 19 Jahren schrieb er Drehbücher für „The Ed Sullivan Show“, „The Late Show“ und „Candid Camera“. Er veröffentlichte auch mehrere Bücher mit Kurzgeschichten und schrieb humoristische Artikel für den New Yorker. 1955 wurde er zum NBC Writer's Development Program eingeladen und wurde anschließend festangestellter Autor.

Woody konnte von morgens bis abends an seiner Schreibmaschine sitzen, nur unterbrochen von einer Kaffeepause und einem kurzen Spaziergang, und dann den ganzen Abend weiterarbeiten. Wenn Allen für Comedians schrieb, verwendeten sie acht von zehn seiner Witze. Als er jedoch selbst als Stand-up-Comedian auftrat, verwendete er nur einen von zehn.

1956 heiratete Woody die 17-jährige Studentin Harlene Rosen. Sie war die Heldin seiner humoristischen Geschichten, aber bald trennten sie sich. Sieben Jahre später heiratete er die Schauspielerin Louise Lasser, aber auch mit ihr lebte er nur drei Jahre zusammen. Allen schrieb weiterhin Theaterstücke, aber sein Traum war es, Solokomiker zu werden. Ein Jahr später trat er zum ersten Mal vor die Fernsehkamera und wurde für einen Emmy nominiert. Doch sein Auftritt 1960 im Nachtclub Duplex (Greenwich Village) wurde zu einem Fiasko. Das Publikum verstand seine subtilen Witze nicht, und die Manager bezeichneten ihn als den schlechtesten Komiker. Man versuchte, sein schüchternes und unbeholfenes Verhalten in einen Trick zu verwandeln, um einen besonderen Stil zu schaffen, der später zu Allens Geheimnis wurde. Anstelle von derben Witzen entwickelte er einen Stil aus absurden Monologen eines unsicheren, gereizten Intellektuellen. Sein Debüt auf der professionellen Bühne gab er im Oktober 1960 im Nachtclub Blue Angel in Manhattan. In den 1960er Jahren veröffentlichte er drei Comedy-Alben und erhielt 1964 eine Grammy-Nominierung in der Kategorie „Bestes Comedy-Album“.

Mitte der 1960er Jahre schrieb Allen bereits Drehbücher und drehte Filme, wobei er sich auf Slapstick-Komödien spezialisierte: Ende der 1960er und frühen 1970er Jahre: „Woody, der Unglücksrabe“ („Take the Money and Run“), „Was gibt's Neues, Kätzchen?” sowie später „Liebe und Tod“ (1975). Diese Filme zeichnen sich durch eine Kombination aus absurder Sprache und visuellen Tricks aus und verdanken ihren Erfolg seiner Kunstfertigkeit und Regie. Mit seinem ungewöhnlichen intellektuellen Stil und seinen erfundenen Geschichten über sein Privatleben war er auf dem besten Weg, berühmt zu werden. So parodierte er im Drehbuch „Was Sie schon immer über Sex wissen wollten, aber nie zu fragen wagten“ im Stil des Absurdismus die puritanischen Filme über Sexualaufklärung aus den 1960er Jahren. Bevor er zum Regiestuhl zurückkehrte, schrieb und inszenierte er die Broadway-Erfolgsstücke „Don't Drink the Water“ und „Play It Again, Sam“.

 

Reifung zum Film-Regisseur

Allen spricht sanft und verständlich mit seinem Publikum; es scheint, als würde er nach Worten suchen, obwohl seine Witze auf Lebenserfahrung basieren und in der Regel ernst klingen, was sie noch lustiger macht. Die Themen sind selten politisch oder sozial relevant, er erzählt keine abgedroschenen jüdischen Witze. Er findet überall Objekte für seine Witze: „Es besteht kein Zweifel, dass das Erstaunliche ganz in der Nähe ist. Die einzige Frage ist, ob es dort Parkplätze gibt und bis wann es geöffnet ist.“ Der Comedy-Historiker J. Nachman schreibt, dass Allen einen großen Einfluss auf den Humor in den USA hatte und Stand-up-Comedy neu definiert hat: „Er hat dazu beigetragen, sie zu einem scharfen, brutal ehrlichen satirischen Kommentar über die kulturellen und psychologischen Stimmen der Zeit zu machen.“ Im Jahr 2004 setzte der amerikanische Fernsehsender Comedy Central Allen auf Platz vier der Liste der 100 größten Comedians.

Seit seinen frühen lustigen Filmen sind Allens Themen reifer geworden, sie weisen zunehmend düstere Untertöne auf, seine Stücke werden zu Tragikomödien. Seine erste eigenständige Regiearbeit war die Komödie „Take the Money and Run“ (1969) nach seinem eigenen Drehbuch über einen ungeschickten Gangster, der aufgrund seiner Aktivitäten mehr Gefängnisstrafe als Juwelen erhält. Von Beginn seiner selbstständigen Regietätigkeit an zog Allen es vor, die Hauptrolle zu spielen, und schuf so das Image eines „dünnen, intelligenten, neurotischen New Yorkers, eines ewig reflektierenden Intellektuellen, der einen Psychoanalytiker braucht“.

Vorbild für den Regisseur wurde das europäische Kino – reifer, konfliktreicher – in Gestalt von Ingmar Bergman und Federico Fellini. Dies spiegelte sich auch in Woodys exzentrischer Komödie „Bananen“ (1971) wider, in der sein Held – ein Amerikaner, der sich in eine Revolutionärin aus einer „Bananenrepublik“ verliebt hat – sich à la Fidel Castro verkleidet und ihr Präsident wird. Nach seiner Rückkehr in die Staaten wird er wegen subversiver Aktivitäten vor Gericht gestellt und heiratet seine zur Vernunft gekommene Freundin.

Ein weiteres Werk Allens ist die Science-Fiction-Komödie „Der Schläfer“ (1973). Darin wacht der Hauptheld, ein tollpatschiger Brillenträger, der von Wissenschaftlern eingefroren wurde, nach 200 Jahren auf und kämpft gegen einen hinterhältigen Diktator. Der Film gilt bis heute als Kultkomödie.

1978 wiederholte Woody seinen Erfolg mit dem Kammerspiel „Interiors“, das fünf Oscar-Nominierungen und vier Golden-Globe-Nominierungen erhielt. Der von ihm in düsterem Stil gedrehte Film ohne einen Funken Humor erzählte von den Beziehungen der Schwestern zu ihrer Mutter, die nach dem Weggang des Vaters aus der Familie an einer Nervenkrankheit litt.

In den 1980er und 1990er Jahren schuf Allen eine Reihe von Filmen mit philosophischem Unterton, wie beispielsweise die Tragikomödie „Die purpurrote Rose von Kairo“, in der eine mit ihrem Leben unzufriedene Kellnerin in einer Filmvorführung auf wundersame Weise seiner Figur begegnet, ohne zwischen Illusion und Realität unterscheiden zu können. Der Film erhielt mehr als zehn Preise und Nominierungen und wurde vom Time Magazine zu einem der hundert besten Filme aller Zeiten gekürt.

1992 kam eine weitere Komödie in die Kinos – „Ehemänner und Ehefrauen“, in der die Konflikte zwischen zwei Ehepaaren auf der Grundlage von vermeintlichen und tatsächlichen Zweifeln an der Treue jedes Ehepartners meisterhaft ausgespielt werden. Der Film war ein Echo einer schwierigen Phase im Leben des Regisseurs, denn die Dreharbeiten fielen in die Zeit, als seine nächste Beziehung – mit der Schauspielerin Mia Farrow – zerbrach. Der Film hatte die größte Verbreitung in Allens Filmgeschäft, erhielt den BAFTA-Preis für das beste Drehbuch und wurde vom Schwedischen Filminstitut als bester ausländischer Film ausgezeichnet.

 

Späte Werke und Auszeichnungen

2001 wurde Woody Allen in die American Academy of Arts and Sciences und später auch in die American Philosophical Society gewählt. Gleichzeitig war der Beginn des neuen Jahrhunderts für den Regisseur ein Misserfolg. Obwohl er fünf Theaterstücke inszenierte, fanden seine Filme nicht mehr die gleiche Anerkennung bei Publikum und Kritikern. „In den USA ist es schwierig geworden, gute Low-Budget-Filme zu drehen“, sagte er in einem Interview. „Die gierigen Studios interessieren sich nicht dafür, ihr Ziel sind Filme, die hohe Gewinne einbringen.“

Der Thriller „Match Point“ (2005), den Allen in London drehte, wurde zu einem der erfolgreichsten Filme der letzten Jahre und erhielt positive Kritiken. Darin konzentriert er sich auf das Londoner Milieu. Der Film war ein kommerzieller Erfolg und wurde für einen Oscar in der Kategorie „Bestes Drehbuch“ sowie für einen Golden Globe für Regie und Drehbuch nominiert. In einem Interview mit dem Magazin Premiere erklärte Allen, dass dies sein bester Film sei. In der englischen Hauptstadt drehte er zwei weitere Filme, bevor er nach Spanien zog, wo er den Oscar-prämierten Film „Vicky Cristina Barcelona“ drehte. Im September 2008 debütierte Allen als Opernregisseur mit einer Inszenierung von Puccinis Einakter „Gianni Schicchi“ in Zusammenarbeit mit dem Theater von Los Angeles und unter der Vermittlung von Generaldirektor Plácido Domingo.

2011 erschien seine romantische Komödie „Midnight in Paris“, die sehr positive Kritiken erhielt, vier Oscar-Nominierungen erhielt und den Golden Globe für das beste Drehbuch gewann. Im Februar 2012 wurde Allen zum vierten Mal von der US-Filmakademie für das beste Originaldrehbuch ausgezeichnet, erschien jedoch gemäß seiner alten Tradition nicht in Kalifornien. Zur gleichen Zeit spielte er zum ersten Mal seit zehn Jahren wieder eine Hauptrolle in dem Film „To Rome with Love“, ohne besondere internationale Auszeichnungen. Im folgenden Jahr kam sein Film „Blue Jasmine“ über die Missgeschicke einer ehemaligen Society-Lady heraus, die vergeblich versucht, ihr Leben in San Francisco in Ordnung zu bringen. Der Film wurde von der internationalen Presse begeistert aufgenommen und mit mehr als 20 Preisen ausgezeichnet.

2014 drehte Woody „Magic in the Moonlight“, 2015 „Irrational Man“ – er spielte darin nicht die Hauptrolle. 2016 produzierte er die Miniserie „Crisis in Six Scenes“ für das Fernsehen, die die Geschichte einer Familie aus der Mittelschicht erzählt. Im folgenden Jahr drehte er nach seinem eigenen Drehbuch den Spielfilm „Wonder Wheel“. 2014 erhielt er den Cecil-B.-DeMille-Award für sein Lebenswerk. Woody Allen hat eine Autobiografie („Apropos of Nothing“, 2020) sowie mehrere Essaybände veröffentlicht. Viele Jahre lang spielte er regelmäßig mit großer Freude Klarinette im Café Carlyle des Carlyle Hotels in New York in einer Jazzband, mit der er weltweit auf Tournee war. „Ich bin begeistert von Musik und ihr treu ergeben, aber ich habe kein echtes Talent dafür.“

 

Figuren, Themen und Privatleben

„Ich nehme die jüdische Familie, in der ich aufgewachsen bin, als Vorbild.“

Woody Allen wurde oft vorgeworfen, dass er in seinen Filmen zu oft Juden darstellt und Schwarze fast gar nicht erwähnt. Er entgegnete, dass er sich im politischen Leben aktiv für die Rechte der Schwarzen einsetzt, aber im Rahmen des Drehbuchs, um realistisch zu bleiben, zeigt, dass in weißen Familien normalerweise schwarze Hausangestellte arbeiten. Und jüdische Charaktere sind ihm vertrauter und erscheinen daher häufiger auf der Leinwand. „Wenn ich eine jüdische Familie beschreibe, nehme ich die Familie, in der ich aufgewachsen bin, als Vorbild und zeige sie mit all ihren positiven und negativen Eigenschaften. Auch dafür wurde ich kritisiert. Verschiedene jüdische Gemeinschaften finden, dass ich zu scharf bin, dass mein Ansatz übermäßig kritisch ist... Aber ich versuche immer nur eines: die Situation in ihrer ganzen Authentizität darzustellen.“

Ein Großteil von Allens Filmen weist autobiografische Züge auf. Bereits in den 1960er Jahren griff er auf die Verspottung seiner Verwandten zurück, um die Atmosphäre des Familienlebens seiner Figuren wiederzugeben. Dies zeigt sich auch bei den Figuren des Films „Annie Hall“ (1977) – ein romantisches Melodram über die Liebe des beliebten Komikers Alvy Singer zu einer angehenden Sängerin, die von der neuen Geliebten des Regisseurs, Diane Keaton, gespielt wurde, die dafür einen Oscar gewann. Die Hauptrolle spielte Woody selbst, der das Buch, auf dem der Film basiert, ironisch als „Aufzeichnungen eines urbanen Neurotikers, eines kleinen, bebrillten Juden, der rechtzeitig mit dem Schreiben aufgehört hat“ bezeichnete. „In vielerlei Hinsicht war dieser Film für mich ein Wendepunkt“, gab er zu. „Ich hatte endlich den Mut, die Clownerie hinter mir zu lassen, und sagte mir: ‚Ich muss versuchen, einen tiefgründigeren Film zu machen. Vielleicht wird er nicht so lustig wie zuvor, aber dafür werden andere Dinge zum Vorschein kommen‘... Ich wollte mich in Richtung eines realistischeren Kinos bewegen.“ Der Hauptheld hat eine Reihe von Schwächen. Der Autor charakterisiert ihn so: „Ich war nie ein glücklicher Mensch, denn ich bin seit meiner Kindheit zu verschlossen, still und verträumt... Ich habe vor allem Angst, ich bin im Grunde ein Pechvogel.“ Der Film erhielt über 30 Auszeichnungen und Nominierungen.

Mit seiner ihm eigenen Leidenschaft arbeitet Allen weiter und gibt zu: „Ich habe immer noch Angst vor dem Tod und ziehe es vor, nichts im Voraus zu planen. Trotz meines beeindruckenden Alters habe ich keine Liste von Dingen, die ich noch erledigen muss, bevor ich für immer gehe. Ich möchte einfach weiterarbeiten, solange ich die Kraft dazu habe. Ich hoffe, dass ich noch genug davon habe.“