„Regie führen ist der beste Job der Welt“ – Zum 100. Geburtstag des Filmemachers Sidney Lumet

Der jüdisch-amerikanische Regisseur, Drehbuchautor und Schauspieler Sidney Lumet ist bekannt für seine Filme „Die zwölf Geschworenen“, „Mord im Orientexpress“ oder „Hundstage“. Seine Werke wurden mit unzähligen Preisen gewürdigt, viele große Schauspieler seiner Zeit arbeiteten unter dem „Moralisten des Films“. Unter ihnen Marlon Brando, Richard Burton, Katherine Hepburn, Al Pacino, Sean Connery oder Henry und Jane Fonda sowie auch Marlene Dietrich. 2005 erhielt der als „Meister des Justizfilms“ gepriesene Lumet den Ehren-Oscar für sein Lebenswerk. (JR)

Von David Schimanowsky

Sidney Arthur Lumet ist ein Klassiker des amerikanischen Kinos, ein herausragender Regisseur, Drehbuchautor, Schauspieler und Produzent. Er ist einer der produktivsten und erfolgreichsten Filmemacher der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Seine Filme und Fernsehspiele eroberten die Herzen von Millionen von Zuschauern und wurden zu Meilensteinen in der Geschichte der bildenden Künste, zu Maßstäben für herausragende Leistungen von Filmregisseuren und Schauspielern.

 

„Ich stamme aus einem Arbeitermilieu“

Lumet wurde am 25. Juni 1924 in Philadelphia in der Familie von Baruch Lumet und Eugenia Gitl Wermus geboren, die ein Jahr vor der Geburt des Sohnes aus der polnischen Woiwodschaft Wolhynien auswanderten. Der Junge war zwei Jahre alt, als seine Eltern in die Lower East Side zogen, ein heruntergekommenes Viertel in New York City, eine Stadt, in der Sidney Lumet für den Rest seines Lebens lebte und die er in vielen seiner Filme darstellte. Sein Vater, ein in Warschau geborener Schriftsteller und Produzent, wurde in den Vereinigten Staaten Schauspieler am Yiddish Arts Theatre und Radiomoderator, während seine Mutter, eine Tänzerin, starb, als Sid noch ein Kind war.

Lumet gab in einem Interview zu, dass er, der aus der Arbeiterklasse stammte, seine Kindheit nicht als „wolkenlos“ empfand. Zeiten wirtschaftlicher Krisen und Depressionen machten ihn für den Rest seines Lebens immun gegen finanzielle Nöte. Im Alter von vier Jahren debütierte er als Rundfunkschauspieler mit seinem Vater und seiner älteren Schwester Feiga in der jüdischen „Seifenoper“ „Grandpa from Brownsville“, mit fünf Jahren stand er im Jiddischen Kunsttheater auf der Bühne, als Teenager in verschiedenen Produktionen am Broadway und besuchte die Professional Children's School.

1935 spielte der 11-jährige Sidney die Hauptrolle in einem Kurzfilm, der auf dem populären Lied „Papirosen“ basiert und von dessen Autor, dem Radiomoderator Herman Yablokov, mitproduziert wurde. Zur gleichen Zeit spielte der begabte Junge eine kleine Rolle in dem Drama „Dead End“ von Sidney Kirshner. 1937 sang er als Tenor die Rolle des Sohnes der Entfremdeten in dem vom österreichischen Regisseur Max Reinhardt inszenierten antifaschistischen Opernoratorium „Der ewige Weg“. Mit 15 spielte er zum ersten Mal mit seinem Vater in einem Spielfilm über Slums „Third Nation“. Und mit 16 spielte er den jungen Joshua in dem Theaterstück „Journey to Jerusalem“ von Max Anderson.

Im Jahr 1941 belegte Sidney Lumet an der Columbia University den Kurs für dramatische Literatur. Doch mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wurde er in die US-Armee eingezogen und diente vier Jahre lang in Indien und Birma als Mechaniker für Funkgeräte und Radar. Dies half ihm später, die Technik der Tonaufnahme beim Film zu erlernen. Die Armee forderte ihn heraus, seinen Beruf mit anderen Augen zu sehen. Die Rolle des ewigen jüdischen jungen Mannes reizte ihn, als einen Kriegsveteranen jedoch nicht mehr. Vieles im System der Broadway-Produktionen passte ihm nun nicht mehr, vor allem - die Eindeutigkeit der Rolle und die Unmöglichkeit der Entwicklung.

Als er 1946 nach Hause zurückkehrte und sein Studium abschloss, begann Lumet, am Actors Studio Lee Strasberg zu studieren. Dann gründete er zusammen mit den Absolventen Yul Brynner und Eli Wallach eine unabhängige Schauspielgruppe am Off-Broadway und inszenierte seine eigenen Stücke. Sidney unterrichtete an der High School for the Performing Arts und leitete als Sommertheaterregisseur Bühnenproduktionen. Und 1950 verhalf ihm Brynner zu einem Job beim Fernsehen. Sidney wurde Regieassistent für Fernsehprogramme bei CBS, führte im folgenden Jahr bei mehreren Folgen der Serie „Danger“ Regie und arbeitete an anderen Themen, bevor er mit den dramatischen Anthologien „Mama und You Are There“, in denen jede Folge eine andere Geschichte mit anderen Charakteren in den Mittelpunkt stellt, nach Hollywood ging. Er hat auch bei Theaterstücken Regie geführt und rund 200 Episoden inszeniert, was ihn laut Kritikern „zu einem der produktivsten Regisseure der Branche“ macht.

 

„Meine Arbeit wird vom Thema Schuld beherrscht“

Hinter den sozialen Konflikten in Lumets Filmen stehe die Überzeugung, dass Recht und Gerechtigkeit aufrechterhalten werden müssen. „Im Laufe der Jahre haben die Kritiker bemerkt, dass ich mich für das Justizsystem interessiere“, sagte er. Sidneys erster erfolgreicher abendfüllender Detektivfilm als Regisseur war 12 Angry Men (1957). Initiator war der gefeierte Schauspieler Henry Fonda, der seine Produktion unter der Bedingung anbot, die Hauptrolle persönlich zu spielen. Der Film wurde in nur 20 Tagen gedreht, wovon zwei Wochen auf die Proben entfielen. Darin entscheidet ein Dutzend Geschworene über das Schicksal eines puertoricanischen Teenagers aus den Slums, der des Mordes an seinem Vater beschuldigt wird. An einem schwülen New Yorker Tag wollen alle nach Hause gehen, und es scheint klar, dass der Angeklagte schuldig ist. Doch der Architekt Davis zweifelt an der Glaubwürdigkeit der Zeugenaussagen und Beweise, und schließlich schließt sich ihm der Rest der Jury an. Fonda spielte einen moralisch aufrechten und ehrlichen Geschworenen, der das Rechtssystem und die Rechtsstaatlichkeit verteidigt.

1960 schuf Lumet eine skandalöse Fernsehserie - „Die Geschichte von Sacco und Vanzetti“. Das Drama stieß in Massachusetts, wo die Anarchisten vor Gericht gestellt und hingerichtet wurden, auf Kritik, weil es die Unschuld der beiden postulierte. Die daraus resultierende Kontroverse weckte bei Lumet ein gesteigertes Interesse an der Welt des Kinos. Im Jahr 1962 kam sein Thriller „Angriffsziel Moskau“ auf die Leinwand, der unter dem Eindruck der Kubakrise das Problem der zunehmenden Verantwortung von Politikern, Wissenschaftlern und Militärs für die Gefahr eines Atomkriegs aufgriff. Fonda, der darin den Präsidenten der Vereinigten Staaten spielte, erhielt eine Nominierung für den Golden Laurel Award für die beste Darstellung, und der Regisseur - den Preis der Vereinten Nationen.

1966 verfilmte Lumet einen Roman des Detektivs J. Le Carré „The Deadly Affair“, in dem ein Geheimagent die tatsächlichen Todesursachen eines Beamten untersucht. Für diesen Film erhielt der Regisseur den BAFTA-Preis und fünf weitere Nominierungen. Und 1974 führte er Regie bei „Mord im Orient-Express“. - eine Adaption des Romans von Agatha Christie. Bei der Untersuchung eines komplizierten Mordfalls am Direktor des Unternehmens „Express“ findet Detektiv Poirot heraus, dass jeder Passagier im Zug sein eigenes Motiv hatte, dieses Verbrechen zu begehen. Der Film erhielt 14 Oscar- und BAFTA-Nominierungen, und Lumet wurde von der Directors Guild of America für seine herausragenden Leistungen als Regisseur geehrt. 1982 drehte er ein weiteres Kriminaldrama „The Verdict“ über einen Anwalt Geldwina (gespielt von Paul Newman), dem es trotz aller Intrigen gelang, einen aussichtslos erscheinenden Fall zu gewinnen. Der Film wurde für fünf Oscars und einen Golden Globe nominiert und wurde laut dem American Film Institute in die Liste der hundert inspirierenden Filme aufgenommen.

 

„Der Film muss das Gewissen wecken“

Lumet bevorzugte stets den Realismus, er mochte den „Dekorateur-Look“ nicht. In seinen Filmen behandelte er hauptsächlich soziale und psychologische Probleme wie Vorurteile, Verrat und Korruption. Der Filmhistoriker St. Bowles ist der Meinung, dass Lumet am effektivsten als Regisseur von ernsten psychologischen Dramen und nicht von leichter Unterhaltung war. Die meisten seiner Figuren werden von Leidenschaften und Obsessionen angetrieben - Liebe, Wunsch nach Gerechtigkeit, Ehrlichkeit, Wahrheit oder Eifersucht, Neid, Schuldkomplex. Die Protagonisten sind in der Regel isolierte, unkonventionelle Menschen, die sich gegen eine Gruppe oder eine Autorität auflehnen. „Der Zweck des Kinos ist es, zu unterhalten, aber die Filme, die ich mag, gehen noch einen Schritt weiter“, sagte Lumet. - Sie zwingen den Zuschauer, sich mit einem Aspekt seines Gewissens auseinanderzusetzen. Sie regen zum Nachdenken an, lassen einen den Kopf zerbrechen“. Er hat Krimis, Thriller, Actionfilme, Komödien und Melodramen gedreht, und es scheint, dass sie kein einziges übergreifendes Thema haben. Aber in jedem von ihnen war die Idee des Kampfes zwischen Gut und Böse, der Glaube an die Unausweichlichkeit des Sieges von Wahrheit und Gerechtigkeit.

Bei der Darstellung der Handlungen der Figuren auf der Leinwand hat der Regisseur zusammen mit den Schauspielern deren objektive Gründe und subjektive Motivationen sorgfältig geprüft. Er erkundete die Nuancen der Unterschiede zwischen echter Schuld und Schuldgefühlen, Bedauern und Ärger, Reue und Gewissensbissen, Scham und Gewissensqualen. Lumet wandte sich zunächst dem Genre des psychologischen Dramas mit komplexen Handlungen und Charakteren vor dem Hintergrund des Konflikts zwischen Individuum und Gesellschaft durch das Prisma der inneren Welt der Figuren zu. Auf diese Weise ermutigte er das Publikum, von der passiven Betrachtung zum Verständnis und zur Empathie mit den Schauspielern überzugehen, und dann - zur Selbstbeobachtung und Selbsteinschätzung. So wurde der Film zu einem Psychodrama - einer Art Gruppenpsychotherapie als Instrument zur Erweckung und Entwicklung des kreativen Potenzials einer Person und zur Erweiterung ihres angemessenen Verhaltens. Nicht zufällig griff Lumet bei der Konzeption eines neuen Films immer öfter auf gute Primärquellen zurück - die besten Werke der Klassiker.

Einer der radikalsten Filme war Lumets Drama „The Hill“ (Ein Haufen toller Hunde), 1965. In einem britischen Disziplinarlager in der libyschen Wüste zwingt Sergeant Williams die bestraften Soldaten, unter der sengenden Sonne einen künstlichen Hügel zu besteigen. Doch Joe Roberts weigert sich, den Befehlen zu folgen, und schließt sich dem Kampf für die Menschenwürde an. Sean Connery, der ihn spielte, wurde bei den Filmfestspielen von Cannes für die Goldene Palme nominiert, und Sidney Lumet erhielt eine Nominierung für den besten Film.

1979 drehte der Regisseur den Thriller „Sein Leben in meiner Gewalt“, in dem ein erfahrener Detektiv Johnson (Sean Connery) während des Verhörs des Hauptverdächtigen für die Vergewaltigung minderjähriger Mädchen die Geduld verliert und ihn zu Tode prügelt. Ein weiterer soziopsychologischer Film, Daniel (1983), basiert auf der Biografie von Daniel, dem Sohn von Paul und Rochelle Isaacson, die als sowjetische Spione hingerichtet wurden. Zehn Jahre später besucht Daniel, der sich in der Anti-Kriegs-Bewegung engagiert, eine Graduiertenschule, analysiert seine Erinnerungen an seine Eltern und überdenkt seinen Glauben an die Ungerechtigkeit ihrer Verurteilung. Die Vorbilder der Figuren waren Julius und Ethel Rosenberg, die 1953 in den Vereinigten Staaten wegen Spionage hingerichtet wurden.

Lumets Film Power (1986) handelt von der Korruption in der Politik und der demoralisierenden Wirkung der Macht auf die Menschen. Ein Berater (Richard Gere), der eingeladen wird, am Wahlkampf der Senatskandidaten teilzunehmen, wird mit dem Abhören von Telefonen der Rivalen, Sabotage, Intrigen und Verleumdungen konfrontiert und beginnt, die Unehrlichkeit dieses Krieges um die Macht zu verstehen. In dem Drama „Running on Empty“ (1988) zündet das Ehepaar Pope eine Explosion in einem Waffenlabor, um den Militäreinsatz in Vietnam zu stoppen, und versteckt sich seither unter falschem Namen vor den Behörden. Der Film wurde mit fünf Preisen ausgezeichnet und erhielt sieben Nominierungen.

 

Wie macht man einen Film?

„Making Movies“ ist der Titel von Sidney Lumets Memoiren über den kreativen Prozess des Filmemachens, in denen er seine eigenen Erfahrungen an neue Generationen von Filmemachern weitergibt. „Es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, einen Film zu drehen (...) Niemand kennt die magische Formel für den Erfolg", schrieb er, warnte aber seine Studenten vor möglichen Fehlern und Misserfolgen. Bei der Wahl eines Themas für einen Film „ist es wichtig, dass das Ausgangsmaterial mich persönlich betrifft - auf die eine oder andere Weise .... Meine Aufgabe ist es, für jedes Bild des Films, bei dem ich Regie führe, verantwortlich zu sein. Bei der Auswahl eines Drehbuchs ist es besser, auf die Professionalität des Autors zu vertrauen: „Das Hauptziel der Produktion ist es, die Idee des Autors dem Publikum zu vermitteln“.

Die zweite Aufgabe - die optimale Auswahl der an der Entstehung des Films Beteiligten. Lumet behauptete: „Neunzig Prozent der Zeit brauche ich die besten Werkzeuge, die ich bekommen kann: Schauspieler, Autoren, Beleuchter, Kameraleute, Künstler...“. Deshalb ist es so wichtig, die Besten der Besten in das kreative Team zu holen. Leute, die auch dich dazu bringen können, alles zu zeigen, wozu du fähig bist.“ Der Regisseur lehnte Spannungen mit seinen Mitarbeitern ab, indem er seine Meinung bei der Arbeit an einem Film durchsetzte: „Ich versuche, jeden am Set zu befreien, um eine Atmosphäre der humorvollen Konzentration zu erreichen. (…) Es liegt auf der Hand, dass Talent und Wille untrennbar miteinander verbunden sind, und man muss sie respektieren und fördern. Aber die Freiheit des Regisseurs und der Darsteller ist durch das Budget und die Zeit extrem begrenzt.“

Lumet ging von der Prämisse aus, dass „die einzige Möglichkeit, das Publikum anzuziehen, in der maximalen Konvergenz von Bildern und Darstellern besteht; die Schauspieler mussten von sich selbst zu den Figuren übergehen.... Ich ziehe es vor, zu testen, wohin die Instinkte der Schauspieler sie führen werden. Ich strebe an, dass jeder ihrer nächsten Schritte organisch aus dem vorhergehenden hervorgeht - vom Lesen zur Inszenierung und dann zum Dreh“. Der Regisseur liebte die langen Dialoge im Film, die von den Schauspielern ein Höchstmaß an Natürlichkeit verlangen: „Die Meinung, dass die Dialoge nicht kinematographisch sind, ist falsch .... Ton und Bild widersprechen sich nicht. Man muss versuchen, das Beste aus beiden herauszuholen. (…) Ich glaube sehr an die Macht des Wortes auf der Leinwand“.

Die Proben, die er für die einzelnen Episoden durchführte, ermöglichten es den Schauspielern, sich spontan zu verstehen, Vertrauen zu gewinnen und „sich als Teil einer gemeinsamen Sache zu fühlen, den Kern der Charaktere ihrer Figuren zu kennen und zum Zeitpunkt des Drehbeginns die Bedeutung und die Folgen ihrer Handlungen genau zu verstehen. Dazu müssen die Schauspieler „mir bedingungslos vertrauen und wissen, dass ich jeden ihrer Schritte spüre. Dieses gegenseitige Vertrauen ist das wichtigste Element in der Konstruktion des Films. Zugleich muss der Regisseur die Schauspieler respektieren und ihnen vertrauen. Schließlich hat jeder von ihnen das Recht, Fehler zu machen und sich zu vervielfältigen, und ich werde dieses Recht niemals wissentlich verletzen.“

 

Filmkamera als „bester Freund“

Der beste Freund des Regisseurs ist eine Filmkamera, argumentierte Lumet. Sie hilft, misslungenes Schauspiel zu korrigieren, Schönheit zu schaffen, das Wesentliche zu ergreifen, die Zeit anzuhalten und den Raum zu verändern, die Figuren konvexer zu machen und Wunder zu schaffen. Zum Beispiel spielte der Kameramann Boris Kaufman, der Bruder von Dziga Vertov, bei der Schaffung einer spannungsgeladenen Atmosphäre in „12 Angry Men“ dank der Genauigkeit der Filmkamera eine wichtige Rolle. Mit allmählich wechselnden Blickwinkeln, bis zum Ende des Films, erhöhte er das Gefühl des Zuschauers von Klaustrophobie, und dann - Freiheit, wenn die Charaktere ins Freie treten. Durch die Veränderung des Fokus des Objektivs und der Nahaufnahmen konnte die Persönlichkeit der Figuren besser herausgearbeitet werden, während die Veränderung der Beleuchtung, des Kontrasts und der Farbpalette die Gesamtstimmung veränderte.

Lumet erkannte, dass die Dreharbeiten durch einen komplexen und sorgfältigen Prozess der kritischen Durchsicht und kreativen Bearbeitung des Rohmaterials abgeschlossen wurden, der die Charakterisierung von Bildern und Bildübergängen, Tempo und Ton miteinander verband. Und schließlich die Übergabe des Films, die manchmal zu einer Tortur wird. Über die Reaktion auf einen der Filme erinnerte sich der Regisseur: „Abends beim Essen habe ich geweint. Meine Frau fragte, was denn los sei. Ich sagte, dass ich des Kämpfens müde sei. Ich habe um das Drehbuch gekämpft, um die Darsteller, um das Wetter, um die Überwindung der Müdigkeit und der Gesetze. Aber Filme machen ist ein Kampf“.

Sidney Lumet wurde für seinen energischen Regiestil berühmt, weil er glaubte, dass „ich umso mehr Glück habe, je weniger das Publikum die Art und Weise bemerkt, wie ich es beeinflusse.“ Der Kritiker Roger Ebert würdigte ihn als „einen der besten Handwerker und leidenschaftlichsten Menschenfreunde unter allen Filmpersönlichkeiten“. Und der Komponist Quincy Jones sagte über ihn: „Sidney war ein visionärer Regisseur, dessen Filme mit ihren aufrüttelnden Kommentaren zu unserer Gesellschaft einen unauslöschlichen Eindruck in unserer Kultur hinterlassen haben. Künftige Generationen von Filmemachern werden sich an seinem Werk orientieren und inspirieren lassen, aber es gibt niemanden, der ihm in der Hitze der bürgerlichen Leidenschaft das Wasser reichen kann.“