Kurt Weill – Ein kosmopolitischer Musikrevolutionär

Der jüdische deutsch-amerikanische Komponist Kurt Weill zählt zu den herausragenden Musikern des 20. Jahrhunderts, dessen Werk international beachtete Anerkennung findet. Sein Schaffen, das von den Anfängen im jüdischen Dessau bis zu bahnbrechenden Broadway-Musicals reicht, offenbart eine beeindruckende Vielseitigkeit. Mit Kooperationen, wie der legendären Zusammenarbeit mit Bertolt Brecht, prägte er das moderne Musiktheater nachhaltig und hinterließ zeitlose Werke wie „Die Dreigroschenoper“, „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny", „Die sieben Todsünden“ oder „Lady in the dark". 1933 fielen seine Werke der Bücherverbrennung der Nazis zum Opfer. Kurt Weill gelang es 1935 den Repressalien und der Verfolgung zu entgehen, indem er in die USA emigrierte. (JR)

Von David Schimanowsky

In Deutschland wird er als deutscher Komponist, in den USA als amerikanischer Komponist wahrgenommen. In Wirklichkeit ist er ein kosmopolitischer Komponist, dessen Werk weltweit zu den besten Beispielen für die Musik des 20. Jahrhunderts gehört. Es genügt, an die berühmte Dreigroschenoper zu erinnern, die er gemeinsam mit Bertolt Brecht komponierte. Doch Kurt Weills Weltruhm geht weit über diese Oper hinaus. Er hat zahlreiche Vokal-, Instrumental- und Orchesterwerke komponiert (Sinfonien, Konzerte, Quartette, Kantaten, Sonaten, Opern, Ballette, Musicals, Lieder, Chansons, Balladen und Filmmusik).

 

Das Wunderkind aus Dessau

Kurt Julian Weill wurde am 2. März 1900 als drittes von vier Kindern von Albert und Emma Weill (geb. Ackermann) geboren. Er wuchs im jüdischen Viertel von Dessau (Herzogtum Anhalt) auf, wo sein Vater, der aus Kippenheim (Baden) stammte, Oberkantor der Synagoge und Autor liturgischer Musik war. Alberts Söhne Nathan und Hans waren zwei Jahre zuvor geboren worden, Tochter Ruth ein Jahr später. „Ich stamme aus einer einheimischen jüdischen Familie, die ihr Leben in Deutschland bis ins Jahr 1340 zurückverfolgen kann“, berichtete Kurt später stolz in einem Interview. Er begann im Alter von 5 Jahren mit dem Klavierspiel, sein erster Lehrer war sein Vater. Im Alter von 12 Jahren unternahm Kurt seine ersten Kompositionsversuche. Seine früheste Komposition hieß „Mi Addir: Ein jüdisches Hochzeitslied“. Er besuchte die Höhere Realschule in Dessau und nahm mit 15 Jahren Privatunterricht bei A. Bing, dem Kapellmeister des örtlichen Theaters, der ihn in Komposition, Musiktheorie und Dirigieren unterrichtete. Zu dieser Zeit hatte Kurt seinen ersten öffentlichen Auftritt, als er eine Opernsängerin am Klavier begleitete und seine eigenen Lieder sang. In den folgenden Jahren schrieb der junge Mann eine Reihe von Liedern auf Texte deutscher Dichter sowie einen Zyklus mit Liedern von Ofra in der deutschen Übersetzung von Yehuda Halevi.

1918 begann Kurt Weill ein Studium an der Hochschule für Musik in Berlin. Außerdem besuchte er Vorlesungen über Philosophie bei M. Dessoir und E. Cassirer. Im selben Jahr komponiert Kurt sein erstes Streichquartett (h-Moll). Nach dem Ersten Weltkrieg gerät die Familie Weill in finanzielle Schwierigkeiten, so dass Kurt im Juli 1919 sein Studium abbricht und nach Dessau zurückkehrt, wo er als Theaterlehrer zu arbeiten beginnt. Im Dezember 1919 wurde er zum Kapellmeister am neuen Stadttheater in Lüdenscheid ernannt und leitete dort fünf Monate lang Aufführungen. Später komponierte Weill eine Sonate für Cello und eine einaktige Opernbearbeitung eines Stücks von E. Hardt.

Von Mai bis September 1920 verbrachte Kurt mehrere Monate in Leipzig, wo sein Vater Direktor eines jüdischen Waisenhauses wurde. Um seine Familie zu unterstützen, arbeitet Kurt als Pianist in einer Kneipe. Bevor er im Dezember 1920 nach Berlin zurückkehrte, komponierte er das Oratorium Sulamith, eine Chorfantasie für Sopran, Frauenchor und Orchester nach Texten aus dem Hohelied. In der Hauptstadt stellte Weill seine Werke dem großen Komponisten Ferruccio Busoni vor, der ihn als Meisterschüler an der Preußischen Akademie der Künste aufnahm. Weill studierte bei ihm Komposition und komponierte seine erste Sinfonie sowie ein Stück mit dem Titel Der Neubekehrte (nach Goethe) und zwei Lieder auf Gedichte von Rilke für Gesang und Klavier.

1922 schloss sich Weill der linksgerichteten musikalischen Fraktion der expressionistischen Novembergruppe an, die über die Einheit von Künstler und Arbeiter und die Beziehung zwischen Kunst und Leben nachdachte. Im selben Jahr schrieb er einen Psalm, die Symphonie Sacra: Fantasia, eine Hymne für Orchester, sieben musikalische Bearbeitungen mittelalterlicher Gedichte für Sopran, Flöte, Bratsche, Klarinette, Waldhorn und Fagott sowie einen Chor über Worte aus dem Buch der Klagelieder. Und seine Orchestersuite der Kinderpantomime Magic Night wurde im Kurfürstendamm-Theater uraufgeführt, die erste öffentliche Aufführung von Weills Werk im Bereich des Musiktheaters. Es folgten Uraufführungen des Divertissements für Orchester mit den Berliner Philharmonikern und dem Hindemith-Amar-Streichquartett. Außerdem unterrichtete Weill aus finanziellen Gründen privat Studenten in Musiktheorie und Komposition und leitete einen Synagogenchor. Zwischen 1924 und 1929 schrieb er Hunderte von Rundfunkkritiken für die Programmzeitschrift „Der deutsche Rundfunk“. Im Februar 1924 machte der Dirigent Fritz Busch ihn mit dem angesagten Dramatiker Georg Kaiser bekannt, mit dem Weill später mehrere Einakter schrieb. Im Sommer lernte Kurt in Kaisers Haus die junge Sängerin und Schauspielerin Lotte Lenya kennen, die er am 28. Januar 1926 heiratete.

 

Neue musikalische Wege

Weill schrieb seine frühen Gesangs- und Bühnenwerke in einem neoklassischen, von Busoni beeinflussten Stil. Diese Musik war expressionistisch, experimentell und abstrakt. Seine reiferen Werke wurden von Gustav Mahler, Arnold Schönberg und Igor Strawinsky beeinflusst. Er wandte sich mehr und mehr dem Gesang und dem Musiktheater zu und bezog nach und nach Elemente des Jazz und der Folklore in seine Werke ein. Entscheidend für Kurt Weill war der Beginn seiner Zusammenarbeit mit linken deutschen Dramatikern: Er wurde ein reiner Theaterkomponist. Beeinflusst von Ideen über die gesellschaftliche Bedeutung von Musik vereinfacht er bewusst die musikalische Sprache und führt Popsong- und Jazzelemente ein. Auch die englische Balladenoper hat einen gewissen Einfluss auf seinen neuen Stil. Eine solche Mischung aus ernster Musik, Salonstil und städtischer Folklore erwies sich als vielversprechend und entsprach dem Zeitgeist.

Seine ersten Opern Der Protagonist (Libretto von Georg Kaiser) und Der Königspalast (gemeinsam mit Paul Hindemith geschrieben) etablierten ihn als vielversprechenden Vokalkomponisten. 1926 wurde Weills Oper nach Georg Kaisers Schauspiel Der Protagonist in Dresden erfolgreich aufgeführt. Der jugendlich ambitionierte Weill rekonstruiert die schweren Texte des Librettos mit seiner ebenso komplexen, polyphonen und manchmal atonalen Musik. Chromatische Passagen werden mit den unglaublichen, extravaganten Rhythmen kombiniert, die für Kurt Weills gesamte Musik charakteristisch sind. In Zusammenarbeit mit Kaiser schuf er die Opern „Der Zar läßt sich photographieren“ und „Der Silbersee“ sowie die Kantate „Der neue Orpheus“.

1927 hörte Kurt Weill eine Radioaufführung von Bertolt Brechts Stück „Der Mensch ist der Mensch“ und machte eine ganze Radiosendung zu dessen Analyse. Brecht lud Weill zum Abendessen ein und schenkte ihm eine Sammlung seiner Gedichte mit einem Anhang von Notizen und Texten unter dem Titel „Lieder von Mahagonny“. Auf diese Weise lernte Weill den Sozialdichter, radikalen Dramatiker und Theoretiker des „epischen Theaters“ Brecht kennen, was den Beginn ihrer langen und fruchtbaren Zusammenarbeit markierte. Ihre erste gemeinsame Erfahrung war die Oper, Mahagonny, die im selben Jahr bei den Festspielen für Neue Kammermusik in Baden-Baden aufgeführt wurde und für Aufsehen sorgte. Zwei Jahre später machten sie aus diesem Werk eine vollwertige Oper in drei Teilen unter dem blumigen und pathetischen Titel „Der Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ und führten sie am Berliner Schiffbauerdamm-Theater auf. Die unwirkliche Stadt Mahagonny spiegelte die Anarchie im Nachkriegsdeutschland mit seinen ständigen Wirtschaftskrisen wider, deren Höhepunkt der „Schwarze Donnerstag“ der New Yorker Börse war. Das Schlusslied der Oper, „The Song of Alabama“, wurde berühmt. Weill komponierte auch das „Berliner Requiem“ für Männerstimmen und Orchester nach Gedichten von Brecht.

 

Die Dreigroschenoper

Am 31. August 1928 wurde in Berlin „Die Dreigroschenoper“ uraufgeführt, Brechts Komödie in drei Akten zur Musik von Weill. Die Handlung spielt im viktorianischen England, die Grundlage für die Handlung war J. Grays „Beggars' Opera“, die im 18. Jahrhundert im Balladenstil geschrieben wurde und auf den Abenteuern echter Londoner Gauner basiert. Im Zuge der Überarbeitung änderte Brecht die Interpretation der Bilder mit Dieben, Räubern, Kerkermeistern und ihren Frauen und verwandelte sie in Figuren aus der kriminellen Welt des Berlins der 1920er Jahre. Die Rolle der schönen Polly, der Tochter des Anführers des Untergrundsyndikats der Bettler, die den Banditen Mack the Knife heiratet, spielte erfolgreich Lotte Lenya.

Die „Dreigroschenoper“, die das deutsche Musiktheater der 1920er Jahre zur Tribüne des akuten politischen Kampfes machte, schaffte eine Synthese aus plebejischen Musikelementen und ausgefeilten technischen Mitteln der modernen Musik. Das Stück wurde im Gewand einer „Bettleroper“ präsentiert, die Weill zum Zwecke der parodistischen Stilisierung nutzte. Die Musik ist hier als eingeschobene Nummern präsent, die die Einfachheit, Ansteckungskraft und Vitalität von Popschlagern hat. Indem er die Techniken und Formen der traditionellen Oper parodierte, indem er in seinen Komposition absichtlich erniedrigte Intonationen der Alltagsmusik, die Rhythmen des Ragtime und des Jazz, Shimmy- und Tangotänze der 1920er Jahre verwendete, schuf der Komponist ein ausdrucksstarkes Bild einer Gesellschaft, in der Gesetz und Verbrechen miteinander verwoben sind.

In der Presse war das Stück umstritten. Die meisten Kritiker nahmen es zustimmend auf, und ein Rezensent des Theatermagazins lobte es als „den sensationellsten Erfolg der Saison“, aber die Komponisten Arnold Schönberg und Anton Webern lehnten es kategorisch ab. Die Musik der Oper wurde später als Weills Meisterwerk anerkannt. Seine Werke „Pirate Jenny“ und „The Ballad of Mack The Knife“, die weite Verbreitung fanden, wurden später zu Welthits und gehörten zum Repertoire von Ernest Bush, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra und Andrei Mironov.

Weill und Brecht setzten ihre Zusammenarbeit zu Beginn der 1920er und 1930er Jahre fort: Sie schufen das Musical Happy End (1929), die Kinderoper Saying Yes (1930), die Kantate The Escape of Lindbergh (1931), die Opern Die Bürgschaft (1932) und Silver Lake (1933). Die Musik in diesen Werken war scharf, bissig, manchmal melancholisch und bewusst einfach gehalten, um sie populär aufzuführen. Trotz ihrer Beliebtheit beim Publikum zögerten die Regisseure zunehmend, neue Inszenierungen von Weills und Brechts Opern aufzuführen, und die Aufführungen des Repertoires wurden häufig durch die Provokationen der Nazis unterbrochen. Die antifaschistische Ausrichtung von Weills Werk in Verbindung mit seiner jüdischen Herkunft bestimmte das Schicksal des Komponisten, als die Nationalsozialisten an die Macht kamen. Kurt erfuhr, dass er und seine Frau auf der schwarzen Liste standen und verhaftet werden sollten. Vor allem nach seiner sozialkritischen Oper Trust (1932) wurde Weill wegen seiner politischen und ästhetischen Ansichten zur Persona non grata für die Nazis. Seine Musik war in Deutschland bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs verboten.

 

Emigration in die USA

Kurt Weill ließ sich von seiner Frau scheiden, um Probleme bei der Emigration zu vermeiden, und ging nach Frankreich, wodurch Lotte einen Teil des Vermögens ihres Mannes vor der Beschlagnahmung durch die Nazis retten konnte. In Paris komponierte er die Operette Ein Königreich für eine Kuh und die Sinfonie Nr. 2 „Paris“, und für die Kompanie von George Balanchine komponierte er das Ballett Die sieben Todsünden mit Gesangspartien, das am Théâtre des Champs-Élysées aufgeführt wurde. Brecht war der Autor des Librettos, und dieses Werk war ihr letztes gemeinsames Projekt. Sie waren sich schon vorher uneinig und konnten sich oft nicht einigen, wer für wen schrieb. Der Komponist war von der Radikalität und dem Autoritarismus des Dramatikers irritiert: „Ich werde nicht das Kommunistische Manifest vertonen...“. Brecht ist ein Genie, aber ich übernehme die volle Verantwortung für die Musik in unseren gemeinsamen Werken“.

1935 emigrierte Kurt mit Lotte in die USA, zwei Jahre später heirateten sie erneut. „Wir haben uns sofort in dieses Land verliebt“, gestand er. „Meinen Erfolg beim amerikanischen Publikum, den viele für einen Zufall halten, führe ich eher auf meine positive Haltung gegenüber der amerikanischen Lebensart und den kulturellen Möglichkeiten dieses Landes zurück“. Nach dem Krieg weigerte sich Weill entschlossen, nach Deutschland zurückzukehren: Die Dessauer Synagoge, in der sein Vater gearbeitet hatte, war niedergebrannt worden, und die Stadt lag in Trümmern. Er erklärte Deutsch zur „Sprache der Verbrecher“ und wechselte sogar in der Kommunikation mit seiner Frau zum Englischen.

In New York beauftragte ihn die jüdische Gemeinde mit der Komposition eines Opernoratoriums, The Eternal Road, über ein biblisches Thema in einer Mischung aus Drama und Liturgie. Es wurde 1937 im Manhattan Opera House uraufgeführt und 153 Mal gespielt. Weill arbeitete hauptsächlich für Broadway-Theater in dem von den Amerikanern bevorzugten Musical-Genre. Die veränderten Bedingungen zwangen ihn, den aggressiv-satirischen Ton seiner Werke allmählich zu mildern. Sie wurden spektakulärer in der Form, aber weniger scharf im Inhalt.

Weill schuf Musicals wie das Antikriegsmusical „Happy End“ und „Knickerbocker Holiday“ (1938) sowie ein Musical für die Weltausstellung „Railroads on Parade“ (1939). Seine bekanntesten Broadway-Musicals schrieb er während des Zweiten Weltkriegs: das Psychodrama Lady in the Dark (1941), die Komödie One Touch of Venus (1943), die Volksoper Street Scene (für die er den Pulitzer-Preis erhielt). Und nach dem Krieg Down in the Valley (1947) und Love Life - A Vaudeville (1948). Weills letztes vollendetes Werk war die Musik für Lost in the Stars (1949), eine Tragödie über die Apartheid in Südafrika. Am Vorabend seines Todes arbeitete er an der musikalischen Komödie The Adventures of Huckleberry Finn. Neben neuen Stücken inszenierte Weill in New Yorker Theatern mit Erfolg die „Dreigroschenoper“.

 

Posthumer Ruhm

Im März 1950 erkrankt Kurt Weill schwer, wird ins Krankenhaus eingeliefert und stirbt am 3. April an den Folgen eines Herzinfarkts im Alter von 50 Jahren. Er ist auf dem Mount Repose Cemetery in Haverstraw, New York, begraben. Maxwell Anderson sagte bei der Trauerfeier: „Ich wünschte, die Zeiten, in denen er lebte, wären weniger beunruhigend gewesen. Aber sie waren, was sie waren - und Kurt hat es geschafft, in der kurzen und schwierigen Zeit, die er hatte, Tausende von schönen Dingen zu schaffen.“

Kurt Weill hatte großen Einfluss auf akademische Komponisten (Carl Orff, Benjamin Britten), ja auf die gesamte europäische und amerikanische Liedkultur, und war ein Vorläufer der musikalischen Polystilistik, die in den 1970er und 1990er Jahren von Alfred Schnittke entwickelt wurde. Seine Werke werden nach wie vor sowohl im populären als auch im klassischen Kontext häufig aufgeführt, und es wurden ganze Alben mit ihnen aufgenommen. 1962 gründete seine Witwe Lotte Lenya die Kurt Weill Music Foundation in New York, um das Verständnis für Weills Leben und Werk zu fördern und sein Erbe zu bewahren. Die Stiftung vergibt und verwaltet einen international anerkannten Wettbewerb in seinem Namen, ein Stipendienprogramm sowie verschiedene Förderungen. Sie veröffentlicht die Werke des Komponisten und einen Newsletter. Der Name des Komponisten wird in die American Theatre Hall of Fame aufgenommen.

Seit der deutschen Wiedervereinigung veranstaltet das Kurt-Weill-Zentrum in Dessau jedes Jahr zu seinem Geburtstag ein internationales Fest, das vom Land Sachsen-Anhalt und der Stadt finanziert wird. Zu den Veranstaltungen gehören Ausstellungen, Vorträge und musikalische Darbietungen in den Bereichen Oper, Jazz, Tanz, klassische und zeitgenössische Musik. Die Kurt-Weill-Gesellschaft fördert die Musik des Komponisten auf jede erdenkliche Art und Weise. Auf dem Lidiceplatz in Dessau wurde ein Denkmal für Weill errichtet, und eine Musikschule ist nach ihm benannt. In Berlin gibt es einen Kurt-Weill-Platz, und an Gebäuden, die mit seinem Leben und Werk verbunden sind, wurden Gedenktafeln angebracht. In mehreren Städten tragen Straßen den Namen von Kurt Weill. Im Jahr 2000 gab die Deutsche Post eine Briefmarke zum 100. Geburtstag von Kurt Weill heraus, und es wurde der Asteroid 11899 nach ihm benannt.

Die ukrainische Opernsängerin Alexandra Dursenewa sagte bei der Eröffnung eines Programms mit Werken des berühmten Komponisten: „Kurt Weill arbeitete an der Schnittstelle zwischen den Genres und kombinierte auf geniale Weise akademische und leichte Musik. Dadurch hat er einen ganz besonderen Platz in der Musikkultur des 20. Jahrhunderts eingenommen.“ Weill ist ein Klassiker des 20. Jahrhunderts, und Klassiker sind zu jeder Zeit relevant. Aber heute ist diese Kunst wegen ihres Mutes und ihrer äußersten Ehrlichkeit besonders wertvoll. Über Weill ... kann man sagen, dass der Hauptpunkt seiner Arbeit und seines Lebens darin bestand, die Wahrheit zu sagen. Egal, was es ihn kostete.